El tercer álbum de estudio de TYGAPAW es una colección profundamente personal de música que construye mundos donde las personas negras queer y trans pueden prosperar, unificando las pistas de baile de todo el mundo.
Una propuesta que afirma que la sabiduría colectiva nos libera de la matriz de dominación en la que vivimos. El álbum se despliega como el capítulo más reciente de la ópera techno de TYGAPAW, que continúa dando protagonismo a las voces de las mujeres negras, que emergen como invocaciones superpuestas más que como letras: poderosas, inquietantes, sensuales y estimulantes.
El proceso de creación del álbum comenzó en 2023, cuando TYGAPAW (Dion McKenzie) se encontraba en el primer año de su transición. La música refleja la intensidad de ese período, en el que sufrían la exclusión de plataformas como respuesta al cambio en su imagen: temas como «M32 Riddim» y «Helicopter hovers over my Crown Heights Apartment» presentan ritmos acelerados que se entrelazan con sintetizadores intensos, similares a sirenas, para formar composiciones exigentes que evocan una mayor sensación de alerta. Sin embargo, a lo largo del álbum, el alivio llega en forma de las voces de TYGAPAW, sus colaboradores y su círculo íntimo, cuyas voces son tratadas con reverberación y eco, una huella sonora que remite a los pioneros de los legendarios estudios de Jamaica, la tierra natal de TYGAPAW, un importante recordatorio de que el pasado siempre influye en el futuro.
Es un álbum para bailarines ante todo, donde la alegría, la rebeldía y la conexión con el cuerpo coexisten, y cada ritmo se siente más como una transformación que como un clímax. Prepárense para un bajo que penetra el alma y frases melódicas sintetizadas que evocan la época del dancehall de la juventud de TYGAPAW, transformadas en melodías hipnóticas que brillan sobre ritmos industriales diseñados para captar la atención, reafirmando la contribución pionera, aunque a menudo olvidada, de Jamaica a la música electrónica.
En el tema inicial, «Can I Live», las palabras de Precious Okoyomon se sienten como el comienzo de un ritual, estableciendo las intenciones para el resto del álbum. Como dice McKenzie, su «trabajo trata sobre la regeneración, el reinicio, la integración con la naturaleza y el renacimiento. Ese es el tono que quería establecer desde el principio del álbum». Carrie Stacks continúa con este mensaje de apoyo en «Don’t Panic», con voces muy procesadas sobre una base rítmica inspirada en otro ingrediente importante para combatir la opresión del aislamiento: la cultura ballroom. «Siento que encontré mi identidad queer en el ballroom, por eso esta canción es tan importante para mí».
Los ecos de la escena nocturna queer negra de Nueva York también se perciben en la enérgica percusión de «Exorcise the Language of Domination», donde la interpretación hablada de Julianna Huxtable complementa los diversos movimientos y tonos de la música. «Como productor, pensé que esta era la canción que mejor se adaptaba a la voz de Juliana. Le pregunté: «¿Qué te parece?». Ella simplemente revisó sus notas y seleccionó algunos pasajes para la primera sección del tema. A partir de ahí, fue un proceso de desarrollo que duró un año. Necesitó tiempo y espacio para evolucionar, pero creo que es uno de los temas más potentes del álbum».
SUUTOO, de Londres, aporta la única colaboración musical del álbum en «B2B», un tema que surgió de las sesiones en el estudio de McKenzie en Nueva York, donde el objetivo principal era conectar y divertirse; un respiro de las exigencias de la vida cotidiana. El álbum concluye con una doble dosis de emoción en forma de «Effects of Resistance» y «Black Trans Masculine Experience». La primera presenta a la académica sudafricana Khanyisile Mbongwa estableciendo conexiones entre África y la diáspora negra, a la vez que mira hacia el futuro y hace un llamado a un sentido de comunidad compartido. La segunda pieza, una versión instrumental del tema que apareció en el EP IMMIGRANT de 2025, es un final suave y profundamente conmovedor para el disco, un espacio de paz y aceptación.
Este tono de fin de ciclo se refleja en la fotografía de la portada, que también remite a IMMIGRANT al revelar finalmente lo oculto: un retrato del artista plenamente realizado; un paso hacia la verdadera liberación interior. TYGAPAW se muestra sonoramente desafiante a lo largo de este álbum; las frecuencias graves se sienten tangibles —más que escuchadas que presentes— y las contagiosas melodías de sintetizador perduran mucho después de que termine la canción. Un sonido general que deja una necesidad urgente de conexión. Desde Detroit hasta Nueva York, pasando por Berlín y Jamaica, a pesar de la distancia geográfica, este álbum nos recuerda que permanecemos unidos, reconociendo que la construcción de un mundo significativo requiere la participación y la acción colectivas, tanto personales como comunitarias, si queremos avanzar hacia la liberación.
